メディアアーティストの活動が盛んな香港では、本展に対する注目も高く、短期間の会期ながら予想以上の観客が来場してくれた。本展ではメディア芸術と人間の言語活動、身体表現、感性の関わりに焦点を絞ることで、逆説的に人間性を問い直すことが主題だった。映像やインスタレーションに加え、参加作家のパフォーマンス、デモンストレーションで、この主題が明確に伝わった手応えがあった。
アーティストトークでは、「失敗」「作家活動の中で達成できなかったこと」「観客から予想外の反応があったこと」について話したが、展示作品からはうかがうことができないアーティストの素顔や、失敗談を通してアーティスト同士が共感しあう、まさに「人間的な」瞬間を紹介することができた。

文化庁メディア芸術祭というメディアを通じて日本と香港、そして世界のアーティストと交流できる機会となった。

今年は『はちみつ色のユン』を文化庁メディア芸術祭新潟展で上映し、そして香港でも上映することができた。一人でも多くの方に作品を観てもらう機会を頂いた事に感謝しています。

3年前『Learn to be a Machine DistantObject #1』を日本で展示し、今年は新作の『wasd human』を文化庁メディア芸術祭企画展の出展作品として香港で展示をできたことは非常に意味深く、光栄なことであり、貴重な経験となりました。ありがとうございます。

現在、私たちエキソニモはNYに滞在しつつ、ニューメディアとアートとのリサーチを行っている。そんな中、シンガポールでの本展の企画ディレクターの依頼を受けることになり、欧米＝日本＝シンガポールという三角関係の中で企画をすすめることになった。シンガポールでは今、メディアアートもしくは Maker ムーブメントのようなテクノロジーｘクリエイティビティに対する興味が若い層を中心に広がっていると言う。そういう意味では元々テクノロジーへの興味が強い日本はより先に進んでいるとも言える。また欧米ではテクノロジーに対する過度の信仰の様なものはなく、むしろ批評性に重きが置かれている。そんな中で、今日的なテクノロジー（今回の場合は特にインターネット、そしてスマートフォン以降）の状況を踏まえつつ、それを無条件に賞賛するのではなく、批評的な視点を持った作品を選んでいくことにした。
テーマとして設定した「風景」に関して、３種類の視点（技術が変えた遠くから見える風景／身体との関係性から浮かび上がる新しい風景／周囲の景色を取り込み風景の意味を書き換える）から選んだ作品群は、会場となったJCCが繁華街の中心地にありつつも、緑に囲まれた大使館の敷地内にあるという特殊性や、窓が多く周囲の風景をすでに取り込んでいる状態という、いわゆるホワイトキューブとは違う条件に反応するように、効果的にインストールされていった。オープンしてから会場では若い人の姿をよく見かけた。今回はコンセプトに重きをおいた作品選択だったために、どの作品も自分から関わっていかないと読み解けない難解さを持ち合わせ、またいわゆるMaker的なものや日本的なメディアアートとは違った毛色をもった作品が多かったが、彼らの行動を見ていると、自ら作品を読み解こうとする姿勢を感じられた。まだまだメディアアート自体が現在進行形であり、定義も定まらない中で、多様なメディアアートのあり方を、シンガポールという今後アートが成長していくであろう場で見せられたことはとても意義深いものであったと思う。

展示する空間によって作品が大きく変わるため、会期の最後には、今回の展示空間の中での作品の在り方が合ってきていたのではないのかと思います。

日本だけではなく、他の国に対して、どのように自分の作品や写真が発展していくのか今後も考えていきたいと改めて思いました。

この展覧会に唯一のシンガポール人として参加できました。それぞれの作品にはもちろん相違点はありますが、多くの共通点を発見できたことがとても面白かったです。

今回の展示は、メディアと背景の関係や、ボーダーをちょっとブレさせるようなことになったかなと思います。そういう発見があったので、自分としても面白かったし、来た人たちにはそこに気づいてもらえたらなと思っています。

tricky women festivalは女性監督作品を集めたアニメーションフェスティバルとして、2001年からオーストリアのウィーンで開催されている映画祭である。コンペ作品や上映作品の質も高く、また、フェスティバルディレクターやスタッフの意識とモチベーションも高く、参加者たちのコミュニケーションを重視しており、また、ウィーンのオーディエンスの質も大変高いという、小さいながらも心の籠った大変素晴らしい映画祭であった。本映画祭で文化庁メディア芸術祭企画展として、展示と上映プログラムの提供を行った。展示については、女性作者によるマンガ作品、映像作品、絵画、インスタレーション、ライブパフォーマンスなど幅広い表現をあえて取り入れてみたが、来場者の評判も良く、今の日本のメディア芸術シーンの多様さと自由さをアピールできたのではないかと思っている。折しも、今年の日本のメディア芸術祭の顔とも言える、こうの史代先生の参加という大変ビッグな出来事もあり、非常に盛り上がった。上映に関しては、12本の短編作品と1本の長編を上映した。観客の入りと反応も良く、何人かのディストリビューターたちから、海外で上映するにはどうすればいいかなどの質問も受けた。更には、フェスティバル側が自主的に、日本フォーカスのプログラムを組み、今年のtricky women festivalは日本一色で盛り上がった。全体的にこの企画は大成功であったのではないかと自負している。
　日本からの参加者の女性作家たちのみならず、上映作者の中には、自費で来た積極的な作者もおり、非常に良い機会を女性作者たちに与えることになった。これも文化庁メディア芸術祭等海外参加事業の成果ではないかと思う。

皆さんの映像作品も見ることができて、私とは違う“畑”で頑張っている女性がたくさんいらっしゃるんだなと、すごく刺激を受けました。マンガは、だんだん型にはまっているように思っていたのですが、もっと勇気を出して自分たちの殻を破る努力をしなければいけないと思いましたね。

今までやったことのない事を絶対にやりたいと思って、観に来て下さった方々が期待して下さる以上のものを出していきたいと思っていました。感じるままに観てもらえれば、それでうれしいです。

チリという地球の真裏の国で、メディア芸術祭で選ばれた作品からなる企画展を開催できたことは、予想以上の収穫があった。チリの人たちは、日本のメディア芸術に対する関心が高いだけでなく、美術に対する造詣も深く、展覧会の作品とその内容について、多様で真摯な議論を行うことができた。同時に、すでに12回を数えるというチリのメディアアート・ビエンナーレを見学できたことも大きい。チリという国の歴史的、政治的背景を反映した独自の文化があることと、ArduinoやRaspberry Piのように、今の技術を特徴付けているオープンなツールやハック精神を共有していることが、不思議なアンビバレンスを生み出していた。
今回の企画に関連して、アタカマ砂漠に設置されたアルマ電波望遠鏡にレジデンスできたことも、とても貴重な経験となった。66台の巨大な電波望遠鏡が受信した遥か彼方からの極めて微弱な電波が、標高5000mで稼働する超高速のコンピュータで合成処理され、そこから息を飲むような美しいイメージが得られるという、これまた何とも不思議というしかない非現実な（しかし現実の）感覚を表現することで、この経験を多くの人と共有したいと思っている。
参加してくれた作家のみなさん、サポートしてくれたスタッフのみなさん、チリの国立天文台のみなさんにも、改めてお礼を述べたいと思う。これを機会に、今回私たちを招いてくれたチリと日本の文化芸術的な交流がますます盛んになることを願ってやまない。

チリの方々の反応は予想以上で、たくさんの率直・好意的なご感想をいただくことができました。地球の反対側で、共通の情熱と未知の視点を体験できたように思います。 どうもありがとうございました。

文化庁海外メディア芸術祭等参加事業に参加でき、非常に光栄に思ってます。 私にとって素晴らしい環境で作品を展示し、本プロジェクトに参加したキュレーターやアーティストとの新しいネットワークができた良い機会でもありました。

言葉の壁がある中、現地のスタッフの方々がベストな状態で展示できるように最大限努力してくれました。帰国してから、私の作品に触発されて、私の作品をモチーフに新作を作ったという現地のアーティストからFacebookで連絡を頂きました。日本の裏側で、作品を作り、それを人に見せ、交流することの意味を改めて知る機会になりました。

スペインの主要メディアが大きく報道した効果もあり、たくさんの方にご来場いただき嬉しく思いました。一番うれしかったのは、多くの方から、「いわゆるマンガの展示だと思って来たけど、違うんだね。現代美術と同じフィールドだ。」というコメントを頂いた事です。私は常々、このカルチャーが有する一部分が生活と、歴史と、人生と、繊細な感情と、そして文学や美術とかたく結びついていること、芸術の一分野であり、人間として語りたいことは変わらないのだということを見せたいと思っていました。単なる愛好家の内輪受けに終わらず、ある文化の良さと共にその向こうに見える他文化他社会とのつながりを、本展示で発信することができました。

インド最大の都市であるムンバイは、スラム化した巨大マーケットを横目で見ながら、超高層ビルが立ち並び、日進月歩で経済的発展を遂げている！この都市で開催された文化庁メディア芸術祭＠EYEMYTHは、文字通り、歴史と伝統とメディアの融合、そしてテクノロジーと人間の身体のギリギリの格闘を映し出すフェスティバルとなった。パフォーマーの全身全霊から放たれる創造の根源としての身体的衝動と、現代テクノロジーの蜜月をライヴパフォーマンスとして開放し、我々は喝采を得たのだった！そしてこれらパフォーマンスは、150年前の映画館や、ドルビーインディアなど、南アジアの映画の都ボリウッドを象徴する会場で行われた。人間の生きた痕跡が一度も浄化されることなくそのまま都市化したようなスラムの中に潜む、ムンバイのアート、そしてエンターテインメント！人口減少や都市機能の郊外移転、またコミュニティの衰退が大きな問題となっている東京からこの地に招聘された我々が目にしたものは、日本の戦後のヤミ市のような活気に溢れたマーケットであった！無秩序に拡張し続ける市場…。あちこちから香り漂うスパイスに混じって強烈に主張する牛のフン…。路上で奇形化したキャラクターグッズを売りさばく人々…。横丁で拾ってきたモノを売りつけようとする子供達…そして物乞い、物乞い、物乞い…。野良犬、野良猫、更に野良犬…。日本で野良犬を見なくなって久しいが、この生き生きと自己主張するムンバイの野良犬達は、屋台で食事する人々に食べ残しを与えられ、逞しく生きている。そうか、そうだったのか…。地域活性化、そして地縁やコミュニティの結束に野良犬は重要なフィルターになっていたのか…今回の展覧会のテーマは「The Medium as Somatic Impulse」"身体的衝動としてのメディウム"だ。勿論、メディアもテクノロジーも必要だし、ドローンやロボットやAIとの共存も重要だ！しかし、今、僕たち日本人が必要としているメディウムは、この野良犬のような生身の触媒ではないか…？そう、ムンバイは生きていた!!!! 果たして東京は？そして日本は？多くの示唆と課題を与えられたツアーであった。

私にとって今回が初めてのインド体験。いろいろ不安もありましたが、スタッフの協力のもと無事展示と公演を終えることができました。インド側スタッフはお願いしたことには一切NOと言わず、とても協力的で誠実に対応してくれたことがとても心に残っています。何より皆が楽しんで参加していることにとても好感を持ちました。コンサートも、やっていて観客の皆さんの興味深そうに聞き入る感じが、私の演奏にもいい意味のリラックス感を与えてくれ、それに緊張感も加え、お互いに良い時間が共有できたこと確信しています。知らないものを知る喜びって素晴らしいし、知らない人の前で演奏する喜びも得難いものです。展示も長い時間いてくださった方々も多いと聞きました。ムンバイならではの空間が演出できたと思います。最後に貴重な機会をいただけたことに対する感謝の気持ちと、一生懸命手伝ってくださった現地そして日本側のスタッフにお礼を言わせてください。また来れる日まで。

公演は1818年に建築された歴史のあるEdward Cinema。映画館であるため、お客さんは全て座っている。しかし、驚いたことに座りながらも我々の発信する電子舞踊音楽に、まるでダンスホールで踊るかのような歓声とアクションで答えてくれた。そこは映画の国インド。彼らは日常的に映画を見ながら一緒に歌い、踊る事がスタイル、文化として根強く定着しているのだ。地元の先鋭音楽家たちとの文化交流もでき、非常に充実した日々であった。

ドルビースタジオでのワークショップでは、集まった生徒さんたちが真剣に私たちのレクチャーを聴く。ジョークを挟んで皆が笑う。私達の楽器を実際に触れて貰いながらセッションする、素晴らしい交流ができた。エドワード・シネマでのライブステージでは、私達の演奏の熱に、客席が歓声で返してくれる。グルーヴがしっかり伝わっていることがわかった。演奏後も、アンコールが響いた。無事に届けられたことに安堵した。

ワークショップでは、楽器を演奏するとはどういう事なのか、シンセサイザーを音楽に取り入れるとはどういう事なのか、少しでもその意味を頭と感覚で理解して欲しかった。結果、目を輝かせながら演奏をする彼らの姿は、シンセサイザーがスキルではなく感覚で演奏できる世の中で一番新しい楽器であることを確信させてくれた。この発見は私の喜びでもあったし、インドのオーディエンスが何か見出してくれたなら、本当に嬉しい。

地理的に日本からもっとも遠い地域に、日本人アーティストを派遣したことは人的交流において有形無形の意味をもつ。アーティストを派遣しなければ設置できなかった作品を現地で公開できたこと、また、作家・スタッフが比較的長期にわたって現地滞在することで得られた信頼関係は、長期的視点で見ても今後の日本のメディアアート全体に好影響をもたらすものであるに違いない。今回参画させていただいた企画者の立場から感じたことを言えば、このような機会に、他国・他地域の観客たちから日本のメディア芸術がどのように見られるか・見られるべきかを考案し、わかりやすいテーマ設定や効果的な展示方法について、日本側の関係者で話し合うことは大変有意義であった。あるテーマに基づいて組織する企画展には、対外的なプレゼンテーションと対内的なアイデンティフィケーションの2 つの機能がある。こういった作業を継続的かつ試行錯誤的に積み重ねていくことで、日本のメディア芸術は国際的に通じる学術的文脈のなかで、体系的にかたちづくられていく。アーティスト個々人の研鑽による「コンテンツ」に加えて、今回の企画展のように組織的で自覚的な「パッケージング」の有無が今後の日本のメディア芸術の将来を左右するといってもいい。

インドネシアのバンドンで企画展を開催できたことは、文化庁メディア芸術祭にとって、ささやかもしれないが次につながるチャレンジだったのではないだろうか。展覧会に関わる現地スタッフやアーティスト、オープニングのときの観客の反応などを見て、日本の大衆文化やデジタルアートに対する彼らの関心が非常に高いことが改めてわかった。この企画展がインドネシアの若いアーティストたちの潜在能力を鼓舞したとするなら、素晴らしい一歩になったのではないかと思う。

初めてのインドネシアでの展示では多くのことが予想外、予想以上で本当に圧倒されてしまいましたが、決してネガティブな印象ではなく、むしろポジティブで、特別な経験ができたと思っています。本展参加の地元の若いアーティストやコーディネーターたちと交流を持てたのも良かったです。

日本との状況の違いが大きかったこともあり、連日、作家や企画者同士で受けた刺激を持ち合い、議論することができ、有意義な機会となった。日本とは異なる環境に身をおくことで視野を広げられることの意義はとても大きい。若手作家やキュレーターの育成といった点においても大きな実績を残すことができた。